ARTE
DE LA TIERRA
OTRAS GEOGRAFIAS
Eugenia Pérez Arango
Maestra en Artes, Artista
Profesora Asociada Universidad Nacional de Colombia Sede Medellín
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PRESENTACION
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PRESENTACION
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EL
LUGAR
“El paisaje es un marco de naturaleza donde la mirada de la civilización ha proyectado sus deseos y fantasmas. Es el espejo donde se mira la civilización para identificarse o para diferenciarse. Hasta el Siglo XX la naturaleza fue un tema traducido en paisaje, un argumento integrado en el discurso de la cultura y desde luego del poder. Su enfoque se centraba en las diferentes maneras de aproximación, en la diversidad de tratamientos y de intereses: cuestiones de forma. El Siglo XX convierte la naturaleza en un problema real. Mas bien es la naturaleza la que se convierte en algo extremadamente problemático para nuestra cultura” Desde el paisaje. Santiago B. Olmo Revista Lapiz N 145
Jacques Simon.. Intervención paisajística
efímera. Turny.1996. Es en la década de los sesenta que paralelo al surgimiento de la conciencia ecológica aparece en escena el discurso artístico medioambiental el cual acentúa los orígenes biológicos del hombre, su parentesco con toda la vida, la continua pertenencia y dependencia de la comunidad biótica. El ambiente físico, semántico y cultural influye en nuestra manera de ver y comprender quienes somos con relación al lugar donde vivimos. Los artistas tienen diferentes miradas sobre el mundo para interpretar las condiciones artísticas y contextuales de una situación comunitaria particular. Basados en esta noción los artistas del arte ecológico comenzaron a redireccionar sus motivaciones hacia una reacción contemporánea contra la amenaza de la destrucción del ambiente. Dice Barbara Matilsky en su libro Frágiles Ecologías, que estos artistas difieren de otros pues en vez de tener una actividad individual, su trabajo es patrocinado por una institución en una empresa cooperativa entre el artista y la comunidad. Si bien este arte comprende una amplia variedad de formas, si expresa un mensaje en común. Trabajos que laboran para recuperar o rehabilitar la tierra y para avivar el respeto y la comprensión de la naturaleza.
Sierra nevada Stones. Un trayecto a pie
de cuatro días. España 1985. Richard Es en este contexto donde se afirma el arte ecológico contemporáneo como un nuevo género de arte público que explora nuevos estilos de vida con base en el ámbito social, ecológico y educativo. Los artistas hacen el trabajo cultural mediante el arte en relación con las características sistémicas de lo humano, lo vegetal y lo animal interactuando en localizaciones geográficas específicas. Realizan sus proyectos en colaboración con ingenieros biólogos, arquitectos, historiadores y demás disciplinas con el fin de crear obras que enfocan hacia las comunidades y ayudan a sanear los emplazamientos frágiles. Su arte se diseña para restablecer condiciones saludables. Fomentando un cambio socio – ecológico y político económico. El núcleo conceptual de la mayoría de este arte ecológico es la idea interdisciplinaria sobre; los puntos de encuentro entre: La ecología y la vida, la participación comunitaria, el diálogo y la comunicación.
Fair Park Lagoon. Dallas.Texas. Patricia
Johanson Direccionan su trabajo a cuestionar las injustas prácticas laborales, la superpoblación, el derroche nuclear, los químicos tóxicos, la extinción y desechos de los animales, el agotamiento del bosque, el suelo, los cambios del clima. Y en general a todas aquellas actitudes del hombre que van acortando la opción de vida digna en este planeta. El enfoque sobre ecología y vida se refiera a crear conciencia partiendo de un pensamiento crítico sobre la comunidad y el ambiente. Creen que para poderse dar un cambio ecológico saludable cada individuo debe pensar cómo ve el mundo y tal vez cambiar su manera de vivir día a día. Pensar como se es parte del tejido social, cultural histórico del diario vivir. Estos conceptos proveen un marco de trabajo que permite explorar el arte ecológico y su relación con otras áreas temáticas. Hemos encontrado en la red un lugar excepcional que trabaja exclusivamente esta temática de Arte y Ecología. perteneciente al Instituto Paul Getty.
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RICHAR
LONG
Una actitud bien distinta a los pioneros del Land Art -respecto al manejo de la tierra- tienen este grupo de artistas quienes no recurren al desplazamiento de grandes toneladas de tierra para realizar sus proyectos. Entre ellos es común un acercamiento más cuidadoso y especialmente respetuoso con la naturaleza. Donde sus trabajos apuntan a enmarcar, resaltar, o plasmar tanto los momentos vividos en esta relación casi espiritual con el entorno, como a magnificar las características del lugar intervenido. Lugar intervenido que se considera más en términos de localización entendiéndose como bioregión. Espacio, emplazamiento, se utilizan para hablar de localización. Bioregión entendida como zona geográfica definida por factores físicos como, el suelo, agua, el clima, el sistema biótico asociado a los organismos vivos de una región. La localización ha sido definida tradicionalmente por los limites geográficos y las características topológicas. El emplazamiento se concibe como la unión entre diversidad física espiritual histórica y social de una región geográfica especifica. Este concepto de emplazamiento incluye como la gente se comprende a sí misma dentro de su contexto particular de localización. Es también la idea del lugar en todo su contexto poético y referencial. Richard Long, quien en su momento, a mediados de los sesenta cuando la mayoría de los artistas apuntaban sino a Nueva York a Londres, y en líneas generales no tenían ni la más remota idea de las complejas realidades que la naturaleza podía ofrecer. El arte era de inspiración urbana, el paisaje se consideraba inadecuado y se identificaban con el pasado. Para ser moderno e internacional había que ser urbano. Piensa que la fuente de su obra es la naturaleza.
Línea en el Himalaya.1975. Richard Long Caminar es el sello personal de Long. Camina por el mundo a su antojo con su conciencia como único equipaje. Camina sin objetivo pero si con sentido. Caminar es su herramienta, un modo de delinear, de medir tiempo y existencia. Con gran facilidad para fluctuar entre lo pequeño y lo grande, la cercanía y la distancia. Trabaja con materiales que selecciona de fuentes naturales y que transporta a sus otros campos de acción por el mundo entero, el museo, la galería de arte, o la casa particular . Y en cierto sentido éstos son también lugares para detenerse en toda una amplia extensión. Ver Long Richard Dice Long:
Linea de Agua. Richard Long.1989. Castello di Rivoli “Un paseo se mueve a través de la vida, es
físico pero después se hace invisible” Long ve al hombre a través de la naturaleza. En las galerías, expone hechos sobre las relaciones espacio-temporales con: medidas, fotografías, mapas, poemas. Deja al espectador solo con la naturaleza como el lo ha estado. Estar solo forma parte de la contemplación. La obra de Long es una metáfora de la vida: una figura andando a lo largo de su camino y dejando su marca. Una escultura es un alto en el recorrido.
Caminando alrededor de un círculo imaginario.Richard
Long “Mi obra es arte abstracto extendido por los espacios naturales del mundo” “Mis esculturas de dentro y de fuera están hechas con un espíritu similar. Los mundos urbanos y rural dependen mutuamente entre si y ambos revisten igual importancia en mi obra” Trabaja directamente con los materiales naturales del mismo entorno, sin herramientas, se asoma al mundo de la condición infantil, a la admiración por las cosas minúsculas, a las primeras tentativas de ordenar pequeñas ramas y hojas y en un orden más profundo a la evolución humana que evoca aquellos primeros gestos hechos sobre un orden orgánico natural que con las geometrías más simples, prefiguran la emergencia de la escritura. Recolección y organización de hojas, piedras, palitos que remiten a antiguos patrones de cultivo y búsqueda de materiales del entorno natural.
No representa lo primitivo, sugiere que es una opción posible; con la revelación de minúsculos fragmentos del pasado, cuestiona el conjunto. Arte que enfatiza el cambio, lo efímero el trabajo con los cambios del tiempo y estos modifican su labor. Goldsworthy, utiliza las energías de la naturaleza: movimiento, cambio, luz, deterioro. Se detiene en un lugar porque intuye que hay algo para descubrir y aprender. Trabaja con el norte, el lado musgoso de un árbol, va al polo, estudia las construcciones con los Inuit. No pretende dominar la naturaleza.
Huecos: El color negro de un hueco es como la llama del fuego, la llama hace visible la energía del fuego. El color negro del hueco es la llama de la tierra, su energía. Activo en el campo del arte ambiental desde los 60, Nils-Udo crea estructuras significantes que juegan con la escala del paisaje. Plantando o haciendo montajes de materiales para establecer vínculos entre un sitio específico, la horticultura y el arte. Trabajos que él inicia y que la naturaleza se encarga de continuar. Nil-Udo es un artista vinculado al movimiento medioambiental. En síntesis su creencia es la necesidad de la harmonía entre la naturaleza y la humanidad en su trabajo de arte. Udo, beneficia el ambiente de los lugares que interviene La mayoría de sus trabajos son de carácter efímero. Frecuentemente solo las fotografías permanecen como memoria de sus trabajos. Udo ha dicho que él cree que hay potenciales utopías bajo cada piedra, en cada hoja y detrás de cada árbol. Sus fotografías documentan y capturan esas utopías que crea y descubre en cada una de sus experiencias
Nils_Udo. Tomado de la Galería de Imágenes de eco-art.com También el concepto de duración en el tiempo esta ligado al trabajo de Nash. Uno de los aspectos mas interesantes de su filosofía creativa es la observación de cómo la naturaleza transforma y borra paulatinamente las huellas de la actividad humana.
Nash transforma las formas del paisaje, toma parte de su transformación, colabora con la naturaleza. La suya es una obra viva en dos sentidos:. El uno, pues trabaja con materia orgánica viva, los árboles, y el otro porque sus creaciones no se plantean como acabadas, sino que evolucionan y se desarrollan como fruto de su acción sobre la naturaleza. La mayoría de sus acciones son registradas fotográficamente y de esta manera circulan por museos y galerías. Si bien tiene obras de caracter efímero, controla otras a través de los años bajo contratos que pueden abarcar hasta treinta años. Un estudioso de estos artistas es Carlos Arturo Fernández quien en el Media sobre Christo & Jean Claude producido por el MAMM Medellín en 1998, anota: “...Desde los años '70 cada uno de sus proyectos es acompañado por un escrupuloso estudio sobre el impacto ambiental que conduce a la protección más extrema del medio ambiente y de todas las especies vivas que pudieran verse afectadas. De ordinario, los lugares quedan en mucho mejor estado que antes de la intervención porque para realizarla se han removido las basuras y desechos acumulados a veces por años. Christo y Jeanne-Claude se comprometen siempre con las respectivas autoridades a través de contratos legales, y con los propietarios de los terrenos, que son siempre tomados enalquiler, a desmontar totalmente la obra en un plazo determinado y a borrar toda huellas de su presencia.
El resultado es la increíble belleza de lo efímero y lo transitorio. Después de hasta 24 años de esfuerzos, como en el caso del "Reichstag Empaquetado", la obra se desmonta al cabo de pocos días. Queda su imagen y dan testimonio los documentos. Queda la satisfacción de sus autores y de todos aquellos que colaboraron en la obra y, así, fueron también sus autores, como los Christo reconocen. Pero, sobre todo, quedan siempre las personas que, de una manera u otra, en todo el mundo gracias a los medios de comunicación, han sido tocadas y cuestionadas por la obra de Christo y Jeanne-Claude y, por este medio, aunque sea sólo un poco y de forma pasajera, se han abierto al arte como una de las experiencias más maravillosas de la cultura.”
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ALAN SONFIST
Sembrar es actualmente una acción que le compete al arte desde múltiples facetas como, el recuperar un momento de la historia de un lugar a través de su flora y por ende de su fauna, resembrando las especies nativas También el restaurar las condiciones ambientales de zonas extensas para repoblar la vida social y desde múltiples aspectos imbricados a la complejidad del concepto de arte medioambiental. Apuntan a esta reflexión trabajos como el de Alan Sonfist quien restaura porciones de paisaje urbano con su memoria histórica, introduciendo plantas y animales nativos. Su “Paisaje del Tiempo” de 8.000 pies cuadrados localizado en Greenwich Village. New York, realizado en 1965. Sonfist es uno de los primeros artistas ecológicos con una actividad continuada hasta hoy. Cuando se le pregunta por el mundo del arte dice:  Paisaje
del Tiempo. Greenwich Village, New York 1978 “En este momento lo mas importante en la sociedad
es la sobrevivencia. El balance del mecanismo global esta amenazado, el
mundo del arte es muy estrecho, es más importante comprender el mundo
de Einstein. Solo mirando en conjunto la civilización y la naturaleza
podemos sobrevivir”. “Desde el comienzo de mi carrera hago arte que recupera eventos naturales para los habitantes urbanos. El Paisaje del Tiempo, una gran antejardín en el Oeste de Broadway, en la ciudad de Nueva York cerca de Soho iniciado en 1964. El terreno contiene la vegetación del bosque precolonial que habitaba el lugar donde se encuentra la ciudad. Hoy el área contiene tres especies naturales que alguna vez existieron. Zona de pastos y flores, bosque de cedros y bosque de robles. Sonfist pretende recuperar un trozo de la historia natural para enseñarla a los enajenados habitantes urbanos. La noción de Sonfist “Fenómenos naturales como monumentos públicos” es mas clara cuando afirma “honramos nuestra herencia arquitectónica, mas hemos borrado nuestra herencia natural en las ciudades. Debemos honrar ambas con el fin de crear una trama urbana continua” Reconcilia naturaleza y civilización. Su propósito es reconectar los habitantes urbanos con la naturaleza y asegurar la supervivencia de plantas y la población animal. Ambiciona un nuevo tipo de paisaje publico que equilibre las necesidades de los seres humanos con las del mundo vivo. “Mis diseños combinan el restablecimiento de la ecología con el acceso público, transformando la imagen tradicional de parque en jardines ecológicos”.
Fair Park Lagoon.Patricia
Johanson. Dallas. Texas Johanson se conoce por los trabajos que se enfocan en la renovación de sedes urbanas, revitalizando los ecosistemas haciéndolos accesibles a la comunidad. El director del museo de Dallas en 1981 le solicita realizar una propuesta que revitalice la laguna. Esta había sido invadida de una especie de alga que debido al derramamiento de fertilizantes químicos se reprodujo sofocando todas las otras especies que habitaban el lugar. Johanson introdujo plantas nativas, peces y reptiles para recuperar el equilibrio del ecosistema y creo una red de vías escultóricas a través de la laguna partiendo de la forma de dos de las plantas introducidas. Para Johanson el resultado es un éxito incalificable porque la gente ama el lugar y aprende a desarrollar actitudes hacia las plantas y los animales. La Laguna combina el mundo de lo estético con los profusos fenómenos de la naturaleza. De hecho la localización de una naturaleza aislada, al interior de una configuración urbana, es lo que han realizado Sonfist y Johanson exitosamente. Agnes Denes sembró entre los rascacielos del centro de Manhattan, 1.8 acres de trigo que se cosecharon en cuatro meses. Contradicción visual: zona ámbar entre construcciones de acero. Dice Agnes Denes “Mi decisión de sembrar un campo de trigo en Manhattan en vez de diseñar simplemente otra escultura publica, nace de mi necesidad en llamar la atención sobre como tenemos mal ubicadas nuestras prioridades y el deterioro de los valores humanos. Es un llamado para que la gente vuelva a pensar sus prioridades.
Campo de Trigo. Agnes Denes. New York, 1982 Manhattan es un lugar rico, profesional y congestionado y sin duda la isla más fascinante del mundo, intentar plantar y cosechar dos acres de trigo aquí sobre valiosísimos terrenos va contra el sistema. Esto haría que la gente volviera a pensar en sus verdaderas prioridades y que se reimplantaran los valores humanos, la calidad de vida aunque esa vida estuviera en peligro. Colocar el sembrado de trigo al pie del Centro del comercio del mundo a una cuadra de Wall Street, enfrente a la Estatua de la Libertad, también tenía una importancia simbólica. Dice Denes: Mi trabajo va más allá de los límites del arte, produciendo controversias globales. Campo de Trigo fue un símbolo, un concepto universal. Representa alimento, energía, el comercio del mundo y la economía, se refería a la mala administración, el hambre del planeta y las preocupaciones ecológicas. Fue una intrusión en la ciudad, una confrontación con la alta civilización, un pequeño Shangri-la, un paraíso en tardes de verano recobrando los placeres simples.
Campo de Trigo. Agnes Denes, New York 1982 Agnes piensa que el nuevo rol del artista va más allá de crear un arte decorativo, cómodo o de herramienta política. Un arte que cuestione el status quo y la dirección que ha tomado la vida. Llama a una nueva actitud analítica. Dice que hacer arte hoy es sinónimo de asumir nuestra responsabilidad para con nuestros semejantes Sembrar un campo de trigo en Manhattan en vez de diseñar simplemente otra escultura publica, nace de mi necesidad en llamar la atención sobre como tenemos mal ubicadas nuestras prioridades y el deterioro de los valores humanos. Es un llamado para que la gente vuelva a pensar sus prioridades. Otro proyecto importante de Denes es la Montaña de Arboles en Finlandia. 10.000 robles sembrados por 10.000 persona a la cual nos referiremos en macroproyectos. El fenómeno del crecimiento orgánico ha sido interpretado por Haacke. Su trabajo Hierva Creciendo, describe su asunto y su interés. Ha sido uno de los primeros artistas en enfocar su trabajo hacia los procesos y sistemas de la naturaleza En el 62 creó una serie llamada Cajas de Condensación en las cuales el líquido esta encapsulado en plexiglas. El observador puede ver los cambios del agua, su evaporación y condensación. Estas cajas establecieron una nueva dirección en el arte, inspirando a los artistas a llevar rocas, plantas y agua a los museos y galerías
Grass grows, 1969. Instalación
en el Andrw Dickson White Museum. Cornell
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LYNE HULL Tambíen el trabajo con la sobrevivencia de la fauna esta presente en esta corriente de ecología y vida. Lynne Hull se preocupa por la conservación de la fauna. Crea recintos y emplazamientos que contribuyen a la conservación de las especies, nidos para mariposas, nidos para águilas u otras especies de aves. Esculturas que son utilizables por la fauna o refuerzan el hábitat natural.
Reservoir Tree, lynne Hull, 1994 Además de situaciones de carácter educativo como es el caso de su escalera para observar jirafas en un parque de Kenya. o sus trabajos en colaboración con niños en edad escolar construyendo jardines para pequeños animales; Trabaja con biólogos, arquitectos del paisaje y bajo el patrocinio de fundaciones como la Rockefeler o la Corporación Apache. Su facinación por las tradiciones antiguas y orientales lo conduce a dejar acompanar su pensamiento de materiales naturales, frágiles, a imagen del hombre y a llevar una reflexión sobre el tiempo y lo efímero. Recolecta polen en un acto meticuloso y purificador, condervándolo, tamizándolo y secándolo al sol. Polen que luego organiza en cuadrados de una intensa luminosidad o de montículos de pocos centímeetros que instauran una relación metonímica con el universo y llegan a ser el resumen de la totalidad de la naturaleza. Polen de Hazelnut, 1992. Wolfgang Laib.
Fotografía de Wolfang Laib Objeto de contemplación, tanto en sentido estético como mistico, la obra de Laib es una invitación siempre renovada a la meditación y a la percepción de la belleza, como a él mismo le gusta llamarla, resaltando que “la leche y el polen son muy bellos – como el sol y el cielo. Porque tener miedo de la belleza? A hecho del Ikebana un arte contemporáneo. Explora las posibilidades plásticas y poéticas de las flores, desde la delicadeza más refinada hasta la violencia más iconoclasta, pasando por un erotismo provocativo.
Montaña Sagrada 1993. Obra y Fotografía de Yukio Nakagawa.
Detalle. Educado en la escuela tradicional del Ikebana, donde los principios son
respetados desde hace siglos Yukio
trabaja independiente de toda tradición. En la fotografía, trabajo realizado con cinco mil tulipanes maserados, que al transcurrir los dias, liberan sus líquidos quedando incoloros. Habla de la vida y la muerte, de la belleza y el sexo, de la alegría y el descubrimiento, al contemplar sus obras, olvidamos las flores que las componen. Cada uno de sus trabajos llevan a pensar el universo entero. Escultura del instante, sus obras efímeras adquieren una perenmidad gracias a la fotografía que él mismo toma. Más allá de ser el documento, memoria, de sus obras, sus fotos son creadas con el mismo rigor y creatividad que sus arreglos florales. Inspirado en el pensamiento tradicional chino y al mismo tiempo vertido hacia la actualidad, su obra subraya la importancia de la interacción, de las influencias recíprocas entre las culturas. Se apoya en la filosofía taoísta, la geomancia, la farmacopea y la medicina china. Utiliza recurrentemente animales vivos, un elemento fundamental en la tradición: simboliza de la antigua china. Las creencias cosmológicas que fundamentaban la vida intelectual, moral y social.
Los animales llegan a ser en sus obras como Péril Jaune o Le théâtre du monde,metáfora de relaciones entre los seres y las culturas, los conflictos sociales e internacionales. Como pasarela transparente de forma serpenteante, Le Pont aparecen como el lugar de encuentro entre los animales japoneses en bronce del siglo XVIII y XIX y sus modelos vivientes. “En la mitología china la imagen de la tortuga rodeada por la serpiente es una imagen de harmonía, la fusión del yin y el yan que deviene motor de la creación del mundo”. ver être nature
La diferentes categorías que hemos designado en este trabajo, se sobreponen y muchos artistas se trasladan entre estas modalidades. En los Campos Revividos de Mel Chin donde utiliza organismos vivos para sanar lugares polusionados, la participación humana parece misteriosamente ausente. Localizado en el basurero de Pig·s Eye en St Paul, el Campo Revivido esta sembrado con plantas hiperacumuladoras capaces de absorber las toxinas de metales pesados del suelo contaminado. El campo se ubica con exactitud formal, una cruz dentro de un círculo que se encuentra dentro de un cuadrado. Una maya une las líneas del cuadrado y el círculo. El círculo verde interior, el locus para el Campo Revivido, contrasta rigurosamente con el ripio entre el círculo y el cuadrado que ha sido dejado sin sembrar como un lugar de control. La cruz es formada por caminos que se interceptan atravesando el campo. Los espectadores son detenidos afuera desde un sitio donde se han puesto letreros de peligro. Desde arriba, el campo aparece como un tiro al blanco que apunta a una presencia peligrosa en el terreno.
Campo de Renacimiento. Mel Chin. 1990 . Pig`s Eye Landfill. Saint Paul, Minnesota Como Michelangelo que esculpió bloques de mármol para liberar las formas encerradas al interior, Chin es un escultor , como él lo explica, quien reduce sus materiales. En el caso de Chin lo que se reduce es invisible y la herramienta del artista es la bioquímica mas bien que el escoplo. Como con Michelangelo, el resultado último es una liberación. En su trabajo, Flow City. Ciudad de Circulación. Rampa de 76 metros de largo y Pared con monitores. Localizado en Nueva York. Trabaja en centros urbanos con la basura. Piensa el mantenimiento como arte. Conjuntamente con el Departamento de Sanidad de la ciudad de Nueva York inicio en 1983 este trabajo. Es un ambiente publico permanente que es parte de la operación del manejo de la basura de la ciudad. Esta construido en la estación donde los carros de basura la depositan para ser trasladadas al basurero de la Isla Stern. La creación consiste en una banda transportadora de 76 metros de largo. Al fondo del corredor de cristal están ubicado 24 monitores mostrando el río, el basurero, el reciclaje y en vivo las basuras que llegan a esta estación.
Flow City. Mierle Ukeles. New York. 1983 Ukeles quiere dar a conocer como una estación de basura afecta el resto del planeta. Dice que la sociedad necesita aprender sobre si misma y su futuro a través de lo que desechamos. El pensamiento que propone este trabajo es acerca de cómo nos relacionamos con los materiales, necesitamos crecer mas aya del circulo destructivo de adquirir materiales, poseerlos, utilizarlos y desecharlos como si no existieran más. Ukeles espera que el visitante tome conciencia de la magnitud del derroche y aprenda restricciones y especialmente respete la naturaleza. Aboga por un balance entre el consumo y el reciclaje, entre civilización y naturaleza.
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DOMINIQUE MAZEUD
Dice Juan Alberto Gaviria, curador de la Galería del Centro Colombo Americano en Medellín, Colombia, en el catálogo de Peregrinajes hacia lo sagrado, (una serie de exposiciones relacionadas con el arte y la sobrevivencia del planeta); Manifestar el concepto de lo sagrado a través de performances in situ, o de registros fotográficos, es no solo revisitar lo sagrado, sino que en la mayoría de los eventos implica cruzar las barreras entre lo institucional y lo espontáneo. Es reencontrar en nuestro diario acontecer el esplendor de la sencillez Para Dominique Mazeud con su proyecto de Limpieza del Río Grande donde logra involucrar a muchas personas de su comunidad. Va al Rio Grande una vez al mes para retirar las basuras, haciendo este ritual de recolección para aliviar la enfermedad del río. Ora, recoge, ora.... La idea de caminar en lugares lejanos ya ha sido reconocida como arte, al igual que las acciones y los ready made. Dice Susy Gablick en El Reencantamiento del Arte que la diferencia entre la practica sanitaria de recoger basura y este otro recoger radica, en el propósito de la artista y como ella ve las consecuencias de su trabajo.
La Gran Limpieza del Rio Grande, 1987. Dominique Mazeud Estamos acostumbrados a ver el trabajo de los artistas como un espejo de la sociedad y sus manifestaciones; mas es raro que un artista trabaje directamente con estas manifestaciones. Se acepta fácilmente cuando se hacen alusiones poéticas. Mazeaud publica periódicamente sus vivencias en el río. Dice Dominique.” Cada mes desde Septiembre del 87, hago mi ritual. Empiezo en el Río Santa Fe un afluente pequeño. Haciendo mi recorrido a través de charcos, basura me produce desesperación esta falta de respeto; lleno incontables bolsas con basura. Caminando por el río envío mi energía, haciendo una ofrenda de mi acción. Me doy cuenta que mi actitud al principio era charla de un artista/activista en el buen sentido, desesperada por las condiciones de represamiento a que estaba condenado el río. Citas de mi diario me ayudan a recordar lo que aprendí. Es el agua en las religiones un símbolo sagrado, por que no nos detenemos a mirar el agua como benditas? Cuanto tiempo tomará el darse cuenta del problema de los deshechos? Cuantos peces intoxicados, cuantas clases de tóxicos faltan por descargar? Cuantas enfermedades nuevas? La importancia del trabajo de Dominique se encuentra en el simple acto de hacer. FERN SHAFFER Y OTHELLO ANDERSON Uno de sus trabajos es ”Ritual y Peregrinaje hacia lo sagrado” de Fern Shaffer en colaboración con el pintor y fotógrafo Othello Anderson. Quienes comenzaron a crear rituales para marcar el paso de los equinoccios y los solsticios. Actualmente dice Shaffer “El significado de lo que hacemos es recrear o recordar unas maneras de curar la tierra. Un ritmo antiguo se apodera de todo, el tiempo ya no existe. Efectuamos los rituales para mantener viva la idea.”.
En espacios urbanos crea unos ropajes chamánicos como vestidos de plástico parodiando una manera de encarnar el problema de las sustancias no-biodegradables. Su idea es trasmitir luz y energía a través de este material para revitalizar el lugar. El “Guardarropas sagrado actúa como un señuelo para los espíritus, sirve para “calentar” el espacio mismo, lo cual puede llevar a la transformación y a la curación. Las ropas mágicas eran a menudo los medios con los cuales los chamanes pasaban de un mundo a otro, para conseguir la necesaria comunicación con los espíritus.
Lo ecológico o más bien el pensamiento ecosófico como lo enmarca felix guattari esta referido a las relaciones presentes entre los seres humanos, entre cada ser consigo mismo y en relación con el entorno. De donde Comentario de Guattari insertar Figura mayor del arte contemporáneo. Su práctica y su pensamiento han influenciado a generaciones de artistas que experimentan también con el happenning, el objeto, la pintura expresionista de los años 70 80.. Sus acciones rituales, sus ambientes espectaculares como su toma de posición política constituyen lo que el llamó su escultura social. Beuys hace del arte el instrumento de una resurrección y aparece como el guerrero en misión de una sociedad enferma del alma. A imagen del artista del renacimiento, da testimonio de una concepción individualista del arte como visión integral del mundo donde cada hombre seria un artista. Acá nos queremos referir a su proyecto 7.000 robles realizado por primera ves en la Documenta 7 de Kassel en 1982 y luego de nuevo auspiciado por el Dia Center en New York en Mayo de 1996. El trabajo fue parte de la misión de cambio social propuesto por Beuys, localmente fue un gesto de renovación urbana. El proyecto de Beuys proponía la siembra de 7.000 robles. El proyecto tomó cinco años en ser ejecutado. El último árbol fue sembrado en la inauguración de la documenta 8 de 1987.
Postal promocional del Proyecto por Joseph Beuys. Es importante señalar el contexto de esta siembra, pues se le da a la acción de plantar el estatus de arte por uno de los eventos oficiales internacionales más reconocidos, La Documenta. Estos 7.000 robles son una escultura que se refiere a la vida de la gente, a su trabajo de cada día. El árbol es un elemento de regeneración el cual en si mismo es un concepto de tiempo. El roble es especial pues es un árbol de crecimiento lento con un sólido tronco. Al lado de los arboles se incluía una columna de basalto de aproximadamente cuatro pies de altura que dan un referente estático, al crecimiento de cada roble. Ann Hamilton es autora de performances, ambientes e instalaciones extremadamente síquicos en los cuales nuestra relación con el mundo familiar se encuentra altamente modificada. Interrogando la naturaleza y la experiencia humana en todas sus dimensiones, sus obras llevan al espectador a una abundancia de imágenes, de sonidos, de texturas, de olores y de gestos que buscan de acuerdo a las palabras de la artista, reconciliar “ el cuerpo y el espíritu, la materia y el pensamiento, lo inanimado y lo animado, lo mecánico y lo orgánico, lo gigante y lo minúsculo. Por la introducción sistemática en su obra de elementos naturales u orgánicos ( agua, árbol, vegetación, cera, algodón, lana) y organismos vivos ( insectos, animales diversos, personas humanas) Hamilton trata recrear un microcosmos del mundo exterior donde la cesante yuxtaposición de la naturaleza y la tecnología, del mundo material y el mundo animal, revela la dimensión sensorial de las cosas. Welle 1998 Sean muros iluminado a la luz de la vela o cubiertos de hojas de eucalipto, pisos tapizados de crines de animales o monedas de metal, cada obra forma un sobre, una especie de piel de una gran cualidad táctil donde la artista busca intensificar las sensaciones. En este universo simbólico, las nociones de interior y de exterior, de alma y de materia, organizan el sentido de su obra. En testimonio Welle 1998, muro pleno de innumerables gotas de agua donde la simplicidad misma y la significación del título se inscriben como un retorno, un objeto poético que moviliza nuestra capacidad de escuchar. “el agua al ritmo interior llega a ser una reflexión del tiempo”
Topos. Instalacion en el Dia Center Allí en un espacio cerrado, cubiertas las ventanas por vidrios por donde penetran diferentes intensidades de luces. La luz y el sonido penetra la menbrana del edificio. El suelo cubierto con pelo de animal. Una pequeña mesa donde una persona borra las letras de un antiguo libro. Para Hamilton la experiencia es una manera de conocer que tiene más significación que aquella información codificada. De allí que sus propuestas sean abstractas, experiencias viserales.
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